Revista de arte contemporaneo

La Tempestad es una revista mexicana de periodicidad bimestral concentrada en el análisis y la reflexión sobre manifestaciones artísticas de los cinco continentes. Dirigida por José Antonio Chaurand y Nicolás Cabral, sus páginas abordan temas relacionados con la literatura, el cine, las artes escénicas, la música, la arquitectura, las artes visuales y el diseño. Es considerada una de las revistas de referencia para la discusión de las artes en el mundo de habla hispana.
La Tempestad tiene un perfil predominantemente crítico y ensayístico, si bien cuenta con espacios para la creación artística y, paralelamente, con secciones informativas.[1] La revista tiene entre sus colaboradores a escritores y artistas americanos, europeos y ocasionalmente asiáticos y africanos, lo mismo emergentes que con una trayectoria internacionalmente reconocida.

La revista fue fundada en 1998 por el economista José Antonio Chaurand, director general, y el escritor Nicolás Cabral, director editorial. Su primer número comenzó a circular en mayo de ese año e incluyó colaboraciones de un puñado de creadores jóvenes de distintas regiones de México. Impresa originalmente en blanco y negro, y con un tiraje inicial de mil ejemplares, La Tempestad evolucionó gradualmente hasta convertirse, 11 años después, en una publicación de 160 páginas a color con una circulación 14 veces mayor, que ha difundido el trabajo de más de 600 escritores y artistas de diversas latitudes.

Los contenidos de La Tempestad se organizan a través de seis secciones:

Actualidad del arte. Se compone de reseñas críticas que revisan lo más importante de la oferta bimestral en las distintas disciplinas artísticas, tanto en México como en otros países. Se repasan novedades bibliográficas (poesía, novela, cuento, ensayo, crónica), estrenos cinematográficos (ficción, documental, animación), lanzamientos discográficos (música de concierto, jazz, rock de vanguardia, fusión, arte sonoro), exposiciones (pintura, escultura, instalación, video, obras multidisciplinarias) y espectáculos escénicos (danza, teatro, ópera).

La sección cuenta con una agenda para cada disciplina que incluye una columna de opinión, una intervención gráfica y recomendaciones de discos, libros, DVD, páginas web, revistas y programas de radio y televisión.

Formas útiles. La actualidad de la arquitectura, el diseño industrial (mobiliario, producto), la moda (alta costura, calzado, accesorios) y el diseño gráfico (editorial, publicitario, web) es abordada aquí a través de artículos que balancean la información y el análisis crítico. Como en las subsecciones de Actualidad del arte, se complementa con una agenda bimestral.

Ciudades. A través de crónicas literarias –donde los escritores narran su paso por una ciudad– y de ensayos fotográficos, este apartado de la revista propone el viaje como experiencia estética. Al texto lo acompaña una guía que repasa los espacios para las artes de la urbe en cuestión.
Dossier. Diversos escritos abordan las formas expresivas tanto de la modernidad como de la contemporaneidad, a través perspectivas teóricas que permiten entender la obra de ciertos artistas bajo una nueva luz. La caja de resonancia de la creación de avanzada.

En portada. Una colección de ensayos que reflexionan sobre las artes o piensan desde las artes, organizados a partir de temas que propician lecturas polémicas del presente. Los planteamientos son esencialmente estéticos, lo que no excluye meditaciones políticas o filosóficas. Se trata del espacio central de cada edición de La Tempestad.

Cuaderno para invenciones. El apartado final de la revista reúne ensayos, relatos, poemas, crónicas, intervenciones de artistas visuales, portafolios fotográficos y ejercicios inclasificables. El contenido de los textos es principalmente literario, pero la sección también da espacio a trabajos de crítica cultural.

Comentario: Es una revista que nos habla de literatura, cine, musica, arquitectura, artes visuales y artes escénicas. En ella aparecen reportajes de diferentes artistas, su director general es José Antonio Chaurand, es una publicacion bimestral editada por Periscopio Media S. A. de C. V. y su director editorial es Nicolas Cabral.

Aldo Chaparro

CELESTE MAGAZINE / REVISTA
Posted on 6 août 2009, 20 h 02 min, by admin, under Magazine.
Revista Celeste, México D.F.

Estos mexicanos. Uno se los imagina borrachos, matándose a tiros en la plaza Garibaldi o secuestrándose por monedas a la salida de los centros comerciales, lustrándole las botas de montar a Fox o los versos libres al subcomandante Marcos, y ellos -de la mano de Aldo Chaparro y José García Torres, director y editor en jefe, respectivamente- se despachan con la revista más avant-garde de América Latina. Celeste es hipergráfica, hiperletrada, hiperanacrónica, hiperclásica, hiperhermética. Tanto hiper quiere decir sólo una cosa: Celeste es una revista que no tiene miedo. A nada ni a nadie. Aunque seduzcan hasta el mareo, su estética de snapshot mental y la mórbida decadencia de sus portadas no deben engañar: adentro acechan los ensayos más sesudos y el festival de trivia más suculento, las imágenes más efímeras y las palabras menos evanescentes, los hechizos y los monumentos, la belleza y el desastre. El último número (The awful truth, septiembre de 2005) incluye una de esas addendas arteras que Chaparro y su gang administran cada tanto a sus lectores: No ficción, un cuadernillo de 25 páginas con dibujos e historias cien por ciento reales, entre ellas « Renault 5″, el último grito en reality shows según la pluma de Mario Bellatin.

COMENTARIO: Esta revista vanguardista, aunque criticada por el sentido del arte que se rabaja en ella, sin miedo a proporcionar este tipo de arte aldo chaparro se arriesga y crea la revista "CELESTE". en mi particular punto de vista me gusta.

José Agustin Arrieta

Agustín Arrieta, pintor costumbrista del Siglo XIX

Reconocido pintor nació en 1803 en la población de Santa Ana Chiautempan, Tlaxcala, México. Hijo de Tomás Arrieta, vasco, y de María Rita Fernández, pero desde muy pequeño radicó en la ciudad de Puebla, cuna de muchos intelectuales y artistas, en donde creció, se educó y estudió dibujo y pintura hasta convertirse en un destacado retratista y pintor de bodegones, conocidos en esa época como “cuadros de comedor”. Aunque es más conocido por sus cuadros costumbristas, que ejecutó con evidente especial motivación, como lo muestra la riqueza de detalles que en ellos plasmó en las escenas de plazas, tabernas y cocinas. En estas escenas, las mujeres aparecen casi siempre ataviadas como “chinas”, atuendo propio de la mujer del pueblo, con sensuales vestidos que hacen resaltar su frondosidad y femenina coquetería, acentuada con pendientes, collares, encajes y chalinas bordadas.

En algunas pinturas, el artista hace alarde de las frutas que se producen en México, como las tunas, pitahayas, limas, mameyes, piñas y papayas, acompañadas por botellas de vino o de champaña y sus copas de cristal importado, junto con ollas de barro y canastas de mimbre.

De Arrieta, cuyas escenas populares son de lo más bello y original de su paleta, se ha dicho que tiene mucha semejanza con Goya, por su luminosidad y gracia. En la Academia de San Carlos, en la ciudad de México, se admiran algunos de los lienzos de Arrieta enriquecidos con estos elementos populares. Allí están las clásicas y señoriales cocinas de Puebla con sus enormes braceros forrados de azulejos en cuyas rojizas hornillas hierve el rico y olorosos mole poblano de guajolote y en la pared cuelga el “trastero”, cuajado de ollas de todos tamaños.

Se desconoce la fecha de la muerte de Arrieta pero se dice que en 1873 aún vivía, aunque muy mermado en sus facultades. Tal vez su mayor mérito, mientras existió, fue que supo ilustrar en sus lienzos la vida de entonces. Supo historiar con sus pinceles las costumbres regionales de su tiempo.

COMENTARIO: Arrieta era admirable por plasmar en sus lienzos grotescos y raros personajes. Estudió dibujo y pintura hasta convertirse en un destacado retratista y pintor de bodegones, conocidos en esa época como “cuadros de comedor”, Aunque es más conocido por sus cuadros costumbristas.

Miguel Calderoni (worry about you Richie)

Miguel Calderón

Nació en el D. F. en 1972 pintor MexicanO pertenece a un grupo que se hace llamar los nuevos Ricos y se formaron en "La Panadería" de arte. este grupo pertenece a otro movimiento llamada Generación "MOHO".

Las imágenes se veían ridículas y burdamente cómicas. Por esto decide cambiar el soporte y le da las fotos a un pintor de caballos para que las retrate. Consigue así una violencia palpable junto a un humor kitsch intelectualizado, el típico movimiento campy que no deja de acosar a la posmodernidad (categoría que no existe pero la uso peyorativamente para describir todo lo que vino después de Warhol).

Comentario: estos cuadros tuvieron mayor auge de su trabajoya que el director de la pelicula "Los exentricos tenembaum", le dedico toda una escena de la misma para exponerlos, ya que los habia comprado en una de sus exhibiciones y como es visto fueron de su agrado.

José Luis Cuevas

Dibujante grabador, escultor e ilustrador nacido en la Ciudad de México en el año de 1934, de formación esencialmente autodidacta. La figura más extrovertida de la Generación de Ruptura, José Luis Cuevas cobra notoriedad gracias al manifiesto conocido como la Cortina de Nopal (publicado en el Suplemento México en la Cultura del periódico Novedades entre 1957 y 1959).

Asistió a la Escuela Nacional de Pintura y Escultura 'La Esmeralda' en Ciudad de México.

Expresionista por influencia de José Clemente Orozco lo mismo que por una ferocidad gestual que nos recuerda a la estatuaria prehispánica -particularmente mexica- es la obra en su primera etapa.

En los años 70 consolida su presencia como una de las más originales y polémicas personalidades de la cultura contemporánea mexicana.

La década de los 90 se caracteriza por un significativo incremento de su actividad escultórica, con bronces de diversos tamanos, entre las que sobresale La Giganta (1991).

José Luis Cuevas confiere al autorretrato un lugar preeminente en su ejercicio plástico, haciendo de esa práctica un cotidiano ritual a través del cual es posible advertir su obsesiva y profunda meditación sobre el paso del tiempo y la muerte.

Concluye el 2000 inaugurando la escultura monumental Hombre mirando al infinito: Homenaje a Bertha Cuevas en la capitalina plaza Necaxa, para después trasladarse a Copenhague, donde inaugura la muestra José Luis Cuevas: un expresionista mexicano, presentada en el 2001 en el Museo de Mataró, Cataluña, España.

Es uno de los iniciadores de la rebelión neofigurativa en el plano internacional. En el ámbito mexicano, fue un rebelde que enfrentó al realismo social imperante. Su exclusiva dedicación al dibujo y al grabado hay que verla como parte de su personal postura, así como la insistencia en los autorretratos y en los temas literarios y eróticos. Se convierte en relator gráfico de la soledad y la angustia que acompañan al hombre en los grandes conglomerados urbanos.

Comentario: José Luis Cuevas es un dibujante, grabador, escultor e ilustrador. Mediante el trabajo con la linea de gran ferocidad gestual desnuda las almas de sus personajes retratando la magneficiencia de la degradacion humana en el mundo de la prostitución y el despotismo.

Manuel Felguerez

Zacatecas, Mexico, 1928

Pintor, escultor y artista grafico mexicano, Felguerez es un autor que ha sabido desarrollarse en dos vias paralelas: la pintura y la escultura, trabajando en este ultimo ambito, ha sido capaz de combinar la escultura con el mural, ocupando con ello espacios fisicos que, historicamente habian estado destinados en Mexico a formas distintas de expresion pictorica que las abordadas por el.
Realizo estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, "La Esmeralda" en 1951, en la Escuela Nacional de Artes Plasticas de la Universidad Nacional Autonoma de Mexico en 1948, en la Academia de la Grande Chaumier en Paris entre 1944 y 1959 y entre 1954 y 1955, en la Academia Colarossi, de Paris, Francia gracias a una beca del gobierno frnaces. Estas dos ultimas resultan de suma importancia para su formacion, ya que es ahi donde trabaja con el escultor frances de origen ruso Ossip Zadkine (1949-1950). Zadkine, un artista formado en el cubismo, habra de convertirse en una de las mayores influencias para el trabajo posterior de Manuel Felguerez.
A su regreso a Mexico, forma parte de la primera generacion de artistas abstractos nacionales, abiertamente confrontados con la tradicion de la Escuela Mexicana de Pintura, encabezada por Diego Rivera, David Alfaro Sequeiros y Jose Clemente Orozco; a la generacion de la ruptura pertenecen, entre otros: Vicente Rojo, Fernando Garcia Ponce y Lilia Carrillo, a quien habia conocido con Zadkine, y con quien Felguerez se casaria en 1960, quedando viudo en 1974 cuando, tras cinco años de paralisis a causa de un aneurisma en la medula espinal muere Lilia Carrillo. Posteriormente Felguerez se casa con Mercedes Oteyza, ex esposa de Juan Garcia Ponce.

Rufino Tamayo

Rufino Arellanes Tamayo. Nació en Oaxaca, Oaxaca, México el 26 de agosto de 1899.

En 1917 se inscribió en la Academia de San Carlos, alternando sus estudios con la atención de un negocio de frutas en el mercado de la Merced. Dos años más tarde se dedicó a pintar e investigar por su cuenta.

En 1921 fue designado jefe del Departamento de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de Arqueología. En 1925 alquiló su primer estudio en la calle de La Soledad, donde pintó Dos mujeres en la ventana, Paisaje con rocas, Reloj y teléfono, El fonógrafo, Dos ninas mexicanas y Pareja con maguey, y diseño una ex-libris para Jaime Torres Bodet. En 1926 presentó su primera exposición de pinturas.

Durante la primera fase de su actividad creativa, Tamayo se apegó a la perspectiva lineal, una de cuyas mejores muestras es su Autorretrato de 1931. En el curso de la segunda tuvo fuerte influencia de Braque, según se advierte, por ejemplo, en El barquillo de fresa (1938). Y en la tercera se libró de ataduras y desarrolló su propio estilo. Refiriéndose a la obra de Tamayo, Paul Westheim dijo: "No es posible traducir una idea en pintura de manera más sencilla, más precisa y más expresiva".

Su obra evolucionó de una pintura de pequeñas dimensiones (con un color insensible a las influencias posimpresionistas) a un cromatismo mucho más brillante al servicio de la temática social. Además recuperó la pintura de caballete, que combinó con la pintura mural de carácter social, como La revolución (1938, Museo Nacional de Antropología), tras lo partió a vivir a Nueva York. En obras como Mujeres de Tehuantepec (1939, Galería Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York), dispone las figuras fuertes y monumentales del arte tradicional mexicano en una sutil y compleja composición inspirada en el cubismo francés.

ARTE OBJETO

Estilo artístico, que tiene sus raíces en el trabajo de Marcel Duchamp, pero que surge con más fuerza a mediados de los años sesenta. Básicamente, postula que el cuadro, como se le ha conocido hasta esa fecha, se ha agotado como medio para expresar las grandes falencias del individuo y la sociedad; por lo tanto, los artistas adheridos a esta tendencia proponen un nuevo lenguaje que se hace cargo con mayor propiedad de la relación entre arte y vida.

Para eso, el objeto, proveniente de las más diversas funciones, es incorporado a las producciones art’sticas, como un elemento real que se contrapone al ilusionismo de la imagen pictórica. Así por ejemplo, en la obra del chileno Francisco Brugnoli podemos encontrar muñecas, ropa o latas insertas en el "cuadro".

En resumen es una técnica que consiste en integrar los medios tradicionales, pintura o escultura con elementos no ortodoxos.

Se crea un objeto para expresar algo y hay originalidad, univerinalidad y atemporalidad.

Comentario: Es una tecnica que consiste en integrar los medios tradicionales, pintura o escultura con elementos no ortodoxos. Se crea un objeto para expresar algo originalidad, universinalidad y atemporalidad.

Lilia Carrillo

LIlia Carrillo. Nació en la ciudad de México en 1930. Fue alumna de Manuel Rodríguez Lozano, por lo que se le considera heredera de la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Asiste más tarde a la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda", donde estudia con Agustín Lazo, Carlos Orozco Romero, Antonio Ruiz y Pablo O'Higgins, obtiendo su título de maestra en artes plásticas en 1951. En 1953 viaja becada a París y estudia en la Academia de la Grande Chaumiere, exhibiendo en la Maison du Mexique y en la Exposición de Artistas Extranjeros en Francia (1954), regresando en 1955 a su país. Durante su estancia en Francia, al igual que muchos de los pintores mexicanos, recibió la influencia de las vanguardias internacionales como el cubismo, el surrealismo, el expresionismo abstracta y el informalismo abstracto.

Lilia Carrillo creo universos líricos plagados de misterio poesía y silencio.

Vicente Rojo

Vicente Rojo Es un renovador en el campo editorial, por lo que representa una pieza fundamental en el panorama del diseño gráfico en México.

Es un artista que gusta del paisaje, lo concibe en su carácter de instante y así lo lleva hasta sus traducciones al color. Claro está que Rojo labora en los terrenos de la abstracción; de ese modo, “Central Park Num. 3”, (1969) da la idea del espacio terrestre mediante franjas azules, rojas, amarillas y verdes, que tienen por encima de ellas la presencia efervescente de un horizonte de líneas activas, que se cruzan, que forman transparencias y que rumbo al ascenso llegar para alcanzar la belleza del rosa.En apenas una superficie de 44 x 34.5 cm el artista ofrece su mirada al Central Park neoyorkino, que desde la perspectiva de Vicente Rojo pasa de lo tumultuoso a lo íntimo, todo gracias a la mirada del artista. Andrés de Luna.

arte conceptual

El arte conceptual se desarrolló a finales de la década de los sesenta e inicios de los ochenta del siglo XX. Los orígenes se encuentran en la obra de Marcel Duchamp, artista de origen francés que ya afirmaba que el concepto era más importante que el objeto artístico.

La característica principal de esta corriente es el predominio de los elementos conceptuales sobre los puramente formales. Así pues, el arte conceptual es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista. Para ello, esta disciplina artística se fija en los ambientes cromáticos, en los luminosos, y en las variaciones sobre la naturaleza.

¿Cuál es la ideología de este tipo de arte? El arte conceptual se define claramente opuesto a la burguesía y contrario al consumo, ya que se considera que la obra no es dueña de nadie.Los artistas del arte conceptual se valen de métodos inusuales y diversos para presentar la idea de su obra. Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones, presentaciones de actos en público… y muchos otros materiales efímeros que les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de los museos. Uno de los ejemplos tempranos del arte conceptual es “Una y tres sillas”, una creación de Joseph Kosuth, artista estadounidense que en 1965 crea una obra con una silla como protagonista central.

La obra en cuestión consiste en una silla plegable de madera, una fotografía de una silla y una ampliación fotográfica de la definición de silla extraída del diccionario. Con ello este artista conceptual busca que el público conteste en cuál de los tres elementos se encuentra la identidad del objeto: ¿en la cosa misma, en la representación o en la descripción verbal? ¿Puede descubrirse la identidad de la silla en uno, en algunos, en todos, o en ninguno de ellos?A finales de la década de 1980, el arte conceptual experimenta un fuerte resurgimiento, justo cuando la atención del mundo del arte de vanguardia se orienta hacia la obra basada en el tema y el contenido.

No obstante, por su carácter efímero, el arte conceptual dejó pocas obras en los museos. Sólo quedaron las fotografías y las declaraciones impresas (libros, catálogos y folletos) sobre los proyectos.

Comentario: Se basa en una idea, puede ser una obra tipo frida pero sigue siendo conceptual por que es la idea, puede no ser real pero es el concepto de algo.

Arte abstracto

El arte abstracto es el estilo artístico que surge alrededor de 1910 y cuyas consecuencias han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.

El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos siginificados variados.

En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.

El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.

Pintura abstracta: en la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.

Escultura abstracta: a lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura.

Expresionismo abstracto: el expresionismo abstracto es el primero de los grandes movimientos artísticos de la posguerra. Es, de hecho, la trayectoria que siguió la pintura abstracta a partir de los años 1940 en Europa y en América. Tiene sus raíces en el surrealismo , el movimiento más importante del periodo preguerra. En este nuevo estilo, también denominado “informalismo”, un grupo de artistas llamados “pintores de la materia”, intentaron establecer una variante del collage. Mediante mezclas de arena, yeso y otros materiales, consiguieron dotar de una rugosidad tridimensional (propia de la escultura) a una tela plana. Este polémico estilo fue fundado por Jackson Pollock y Willem de Kooning. Para referirse a él se usa también los términos Action Painting (Pintura de Acción), acuñado por el crítico Harold Rosemberg, y American Type Painting (Pintura de tipo americano), utilizado por Clement Greenberg, para distinguirla de la pintura europea.El grupo lo forman otros artistas como Mark Rothko, Baziotes, Gorky, Gottlieb, Guston, Louise Nevelson, Hofmann, Kline, Motherwell, Newman, Jackson Pollock, Pousette- Dart, Reinhardt, y Still.

Otro grupo de artistas relacionados con el expresionismo abstracto son los denominados “tachistas” (de tache, mancha). Ellos creían en el poder surgido de las manchas. Se dieron cuenta que con manchas y pastas nuevas era posible representar la textura de la materia. Un ejemplo de este tipo de arte es la pintura gestual del artista francés Michaux.

Comentario: El arte abstracto utiliza composiciones, formas y colores por su valor en sí mismos e independientemente de que presenten figuras reconocibles de la naturaleza. Nacé a principios del siglo XX cuando surge como oposiciones al naturalismo academicista y se destacan dos corrientes: la constructiva que visualiza estructura de orden geometrico y la abstraccion lírica que como arte informal es expresion de la creatividad intuitiva, poniendo enfasis en los aspectos expresivos y gestuales.

"Arte Contemporaneo"

El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo.

El arte contemporáneo cuenta con una gran herencia estética de las vanguardias artísticas, la constante búsqueda de diferentes formas de expresión es uno de sus rasgos fundamentales.
La abstracción ha sido una de las corrientes artísticas que ha marcado de manera profunda el desarrollo del arte contemporáneo. Así mismo, las tendencias conceptuales forman una parte muy importante del arte contemporáneo.

Colección Guggenheim de Pinturas no Objetivas

Cometario: puedo decir que: " El arte es lo que se vende -o se compra- como tal". depende desde el punto que se quiera visualizar.

José Guadalupe Posada 1 de 2

MOVIMIENTO PANICO

El Pánico (también conocido como Grupo Pánico) es un movimiento fundado por el dramaturgo y cineasta Fernando Arrabal; el escritor, filósofo, psicomago y director de cine chileno Alejandro Jodorowsky y el pintor y actor francés descendientes de judíos polacos Roland Topor en París, en 1962.

Las primeras experiencias pre-pánicas parten de las obras del primer teatro de Arrabal, cuya cronología el catedrático Torres Monreal establece entre 1953 y 1961, así como de la dirección de Teatro de Vanguardia por Jodorowsky en Ciudad de México en torno a 1958/1959.

Arrabal y Topor se conocen en París en 1960 y ese mismo año Jodorowsky llama a Arrabal a París (el chileno había dirigido obras del español en México) y viaja para conocerlo. Arrabal y Jodorowsky comienzan a frecuentar a André Breton en el café La Promenade de Venus, juntándose con los últimos miembros del surrealismo. Pero este movimiento ya estaba en decadencia y las divergencias generacionales eran palpables por lo que tras tres años de reuniones abandonan a Breton y realizan las primeras reuniones pánicas por su cuenta, con Topor, en el Café de la Paix, de París.

El nombre se inspira en el del dios Pan, el cual se manifiesta a través de tres elementos básicos: terror, humor y simultaneidad. Jodorowsky declara que el calificativo Pánico se le ocurrió a él ya que creía que el movimiento debía tener un nombre propio, pues más que un epígono post-surrealista, se trataba de una especie de neo-Dadá.

Otros estudiosos aseguran que fueron Arrabal y Topor los inventores del término y quienes definieron las relaciones del movimiento con la ciencia, la filosofía, el ajedrez, la confusión y el azar.

«Entonces queríamos reírnos de la filosofía francesa, tan seria, aunque ahora, tal como está el mundo, deberíamos reírnos de la filosofía mundial, que no ha servido de nada», sostiene Jodorowsky.

Equivalente a pluralidad-ubicuidad, el Movimiento Pánico es una intensa búsqueda por trascender la sociedad aristotélica y dejar un legado que impulse a la humanidad a una nueva perspectiva. «El pánico es la crítica de la razón pura, es la pandilla sin leyes y sin mando, es la explosión de 'pan' (todo), es el respeto irrespetuoso al dios Pan, es el himno al talento loco, es el antimovimiento, es el rechazo a la 'seriedad', es el canto a la falta de ambigüedad... Es el arte de vivir (que tiene en cuenta la confusión y el azar), es el principio de indeterminación con la memoria de por medio... Y todo lo contrario».

En 1963, Arrabal dio una conferencia en Australia donde mostró, por vez primera, las claves del Movimiento Pánico, definiéndolo como «una manera de expresión presidida por la confusión, la memoria, la inteligencia, el humor y el terror». Es un manifiesto opuesto al del Surrealismo por su preocupación por la ciencia, el ajedrez y las reglas del azar.

El Movimiento Pánico es una expresión artística que pretende anunciar la locura controlada como supervivencia ante una sociedad en crisis de valores (la sociedad posmoderna). Sus autores sugieren un universo barroco, preciso, de un mundo delirante y matemático; una mezcla de contrarios: de amor y odio, tragedia y comedia, mal gusto y refinamiento estético, el sacrilegio y lo sagrado, lo individual y lo colectivo; el ritual ceremonial: en actos trascendentales de la vida; la visión onírica, y a veces cruel y satírica de la vida, la sinrazón del mundo; la repetición de las cosas, a veces se concibe el tiempo de manera circular. “El objeto -escribe Arrabal- no es el de descubrir que es la confusión sino tan sólo lo que se puede decir sobre ella".

El grupo hizo performances teatrales caóticos y surrealistas diseñadas para ser impactantes y encauzar las fuerzas destructivas hacia la paz y la belleza.

A Fernando Arrabal se le presentó en el Ateneo Veneto durante la Bienal de Venecia, el 4 de junio de 2009, como “el más célebre dramaturgo en vida”
La coda del teatro pánico de Alejandro Jodorowsky se cierra por ahora con Ópera Pánica, la obra que concibió en familia alentado por sus hijos y que estrenó en Italia en 1993.

«Mis hijos Brontis, Cristóbal y Adán son todos actores, de modo que montamos una pieza escrita hace años: Ópera Pánica. La llevamos a Italia donde causó furor, la gente ríe del comienzo al final. El éxito se debe a la calidad de la obra, de la actuación y porque somos una familia. Una familia actuando unida pocas veces se ha visto en la vida», en palabras del autor.

Posteriormente Fernando Arrabal ha escrito varias obras pánicas destacando principalmente “Carta de amor”, “La Duquesa de los quechuas” y “Espérame en el cielo”. Representadas por actrices notorias ; desde Orna Porat y María Jesús Valdés en España hasta Fraçoise Fabian en París.

Se ha dicho que Alejandro Jodorowsky disolvió el Movimiento Pánico en 1973, año en que estrenó su película La montaña sagrada en Estados Unidos.
Arrabal y Lis publicaron en París el libro Le panique, que aglutina diversos textos, de 1963 a 1973, de Jodorowsky, Arrabal, Topor, otros autores más jóvenes que se incorporaron después y textos de autores clásicos como Baltasar Gracián o E.M. Cioran.

En mayo de 2008 Fernando Arrabal publicó (primero en París y en francés) su libro “El pánico. Manifiesto para el tercer milenio”. En España: Libros del Innombrable, Zaragoza.

Un año antes había editado su “Diccionario pánico”, casi exhaustivo con sus 532 páginas. En español también fue publicado por ‘Libros del Innombrable’.
En verano de 2009, Fernando Arrabal rueda en Barcelona, como actor, "Ushima-Next", la primera película del movimiento "Post-Pánico", que crea y dirige Joan Frank Charansonnet. Este joven actor y director recibe de esta manera el testigo y apadrinamiento de Fernando Arrabal para crear un nuevo lenguaje artístico acorde a los nuevos tiempos.

Sobre las siete películas dirigidas por Arrabal , todas ellas pánicas P. Bruckberger ha dicho en ‘Le Monde’ de París: "Arrabal es mejor que Fellini, que Ingmar Bergman... es al cine lo que Rimbaud a la poesía.

Comentario: Es un movimiento que fundaron Fernando Arrabal, Alejandro Jodorowsky y Roland Topor en París¡ en 1962. Pretende anunciar la locura ante una sociedad en crisis de valores, maneja una mezcla amor y odio y tragedia y comedia. Uno de sus iniciadores (Arrabal) decia que el objeto no era el de descubrir que era la confusión sino tan sólo lo que se puede decir sobre ella. Se escribieron muchos libros e hicieron publicaciones sobre este tema.

Frida kahlo

Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. Contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera, tuvo un aborto (1932) que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. También son muy apreciados sus autorretratos, así mismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos, Las dos Fridas.

Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo dijo que era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días decidió que esa tendencia no se correspondía con su creación artística.

En su búsqueda de las raíces estéticas de México, Frida Kahlo realizó espléndidos retratos de niños y obras inspiradas en la iconografía mexicana anterior a la conquista, pero son las telas que se centran en ella misma y en su azarosa vida las que la han convertido en una figura destacada de la pintura mexicana del siglo XX.

Comentarios: Ha sido una de las mejores pintoras de su tiempo. Su vida fue muy atormentada por las sombras de aquel accidente que sufrió a los 16 años, pero pudo salir adelante gracias a la pintura, en la que volcaba todos sus pensamientos. Su vida fue de tragedias, por otro lado sus pinturas fueron muy emotivas. Frida Kahlo aunque se movio en el ambiente de grandes muralistas de sus tiempos compartiendo ideas ella pintaba sus obras en un sentido más humano, era surrealista, en sus pinturas plasmaba hechos que le habian ocurrido.

Fadanelli "los Nuevos Ricos"

Guillermo Fadanelli (México, 1963)

Es uno de esos escritores que creen que la literatura debe partir de la experiencia vital, y si bien toda su obra se encuentra salpicada de momentos autobiográficos mezclados con una alta dosis de provocación, ninguna como Educar a los topos, su más reciente novela, editada por Anagrama, había cavado tan hondo en el pasado del escritor.

Fadanelli expone que después de una época muy difícil, comienza a poder vivir de su escritura y ve el horizonte más claro. Horizonte en el que están, de momento, una novela que no tiene prisa por publicar y un libro de aforismos titulado Dios siempre se equivoca, el cual está por aparecer en México bajo el sello Planeta".

"Cada vez que un hombre se asume como mediocre, la humanidad descansa", ironiza, "porque está convencido de que el daño que nos hacen los hombres exitosos a veces es terrible. Yo estoy seducido por esos hombres que no llegan nunca a nada y todo les sale mal, pero que no hacen daño a su sociedad".

En México los partidos políticos carecen de peso moral, los legisladores sólo velan por sus intereses, la corrupción impera y los monopolios desvían las leyes a su conveniencia. No veo cómo sea posible construir una sociedad sobre estas ruinas.

Gabriel Orozco

(Xalapa, 1962) Artista plástico mexicano

Uno de los más valorados en el circuito internacional, autor de una obra amplia y polivalente que abarca desde la escultura hasta las instalaciones espontáneas, pasando por la fotografía, el vídeo, el dibujo y el arte-objeto.

Considerado uno de los diez creadores más importantes e influyentes del mundo, quizás el mayor renovador de las artes plásticas de los últimos años, la obra de Orozco resulta imprescindible en cualquier acontecimiento importante de arte contemporáneo y enriquece bienales y museos de Europa y América.

Comentario: Orozco utiliza el paisaje urbano y sus elementos para formar sus obras, de la manera mas honesta y calida. el retomaba elementos de la vida urbana para darles enfasis con su creatividad artistica.

Jodorowski

Es un artista polifacético chileno de origen judío-ucraniano. Entre sus muchas facetas destacan las de escritor, filósofo, dramaturgo, actor, poeta, director teatral, director de cine, guionista de cine, compositor de bandas sonoras, escultor y escenógrafo en cine, guionista de cómics, dibujante y autor de "Fabulas Pánicas", instructor del tarot, mimo, psicoterapeuta y psicomago. Fundó, junto a Roland Topor y Fernando Arrabal, el Grupo Pánico.

Su aportación más controvertida es la psicomagia, una técnica que conjuga los ritos chamánicos, el teatro y el psicoanálisis, pretendiendo supuestamente provocar en el paciente una catarsis de curación.

También es conocido en el mundo del cine por dirigir los controvertidos largometrajes La Montaña Sagrada, El Topo o Santa Sangre, entre otras.

A la edad de veinticuatro años quemó sus fotografías y se fue de Chile, recalando en París en 1953. Vivió casi veinte años en México, entre 1960 y 1977 (con un paréntesis en 1973-1974, en el que residió en Nueva York) y desde 1980 reside en Francia, país del que ha adquirido la nacionalidad.

En la actualidad, Jodorowsky vive en Vincennes, cerca de París, donde da clases de tarot y conferencias sobre sus teorías (la psicomagia y la psicogenealogía) en el Cafe Le Téméraire de la avenida Daumesnil, cerca del Gare de Lyon.

Comentario: Alejandro Jodorowski es un director de cine conocido mundialmente, realizador de "El topo", "La montaña sagrada", "Santa Sangrre" y unos cuantos títulos más. Aparte de esto también es conocido como autor de libros de comics. Su aportacion mas conocida es la psicomagia.

Juan Soriano y la Ruptura

La Ruptura es el nombre dado al conjunto de artistas mexicanos y extranjeros radicados en México, que en la década de los 50 comenzaron a reaccionar contra lo que percibían como los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura, la cual aglutinaba a los muralistas mexicanos (David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco entre otros) cuya temática nacionalista, izquierdista y revolucionaria había sido la corriente artística hegemónica en México desde el estallido de la revolución mexicana en 1910. La generación de la Ruptura incorporaba valores más cosmopolitas, abstractos y apolíticos en su trabajo, buscando entre otras cosas expandir su temática y su estilo más allá de los límites impuestos por el muralismo y sus ramificaciones. Es de hacer notar que el movimiento no fue jamás organizado ni definido, como tal se daba de modo bastante espontáneo, no era deliberado y las relaciones entre sus miembros fueron mas bien informales.

Pintores reconocidos en la actualidad perfilaron en este movimiento, entre ellos:

Rufino Tamayo, Manuel Felguérez, Lilia Carrillo, Fernando García Ponce, José Luis Cuevas, Pedro Coronel, Günther Gerzo, Arnold Belkin, Carlos Mérida, Roger von Gunten, Vlady, Cordelia Ureta, Gabriel Ramirez, Remedios Varo, Mathias Goeritz, Francisco Zúñiga, Alberto Gironella, Pedro Coronel, Vicente Rojo, Juan Soriano y Francisco Toledo. Todos y cada uno de ellos crearon un estilo particular en sus pinturas y revolucionaron el arte en México. Además encontraron un defensor literario en la figura del escritor y periodista Juan García Ponce.

Comentario: Soriano, que rechazó desde joven el muralismo imperante para pintar con absoluta libertad, obtuvo pronto el respeto de Rufino Tamayo y el reconocimiento de la generación mexicana de la Ruptura (Rojo, Cuevas, Gironella, Felguérez). fueron peones de esta epoca lucharon para hacer implementar su tecnica de trabajo.

MURALISMO

El Muralismo es un movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución Mexicana de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la pintura tradicional de caballete, así como cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales.

Propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia. El muralismo mexicano fue uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana y sus principales protagonistas fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. A partir de 1930 el movimiento se internacionalizó y se extendió a otros países de América.

El impulsor de este movimiento fue José Vasconcelos, filósofo y primer secretario de Educación Pública de México quien, tras la Revolución, pidió a un grupo de artistas jóvenes revolucionarios que plasmaran en los muros de la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México la imagen de la voluntad nacional.

Los artistas tenían total libertad para elegir los temas y mostrar un mundo nuevo sobre las ruinas, la enfermedad y la crisis política surgida tras la Revolución. Influidos por el rico pasado precolombino y colonial, los muralistas desarrollaron un arte monumental y público, de inspiración tradicional y popular, que ponía fin al academicismo reinante, exaltando su cultura y origen precortesiano.

En la práctica, el indigenismo tomó varios cauces. Por un lado está la concepción histórica de Diego Rivera: descripción minuciosa de una idílica vida cotidiana antes de la llegada de los españoles. Por otro, la de José Clemente Orozco, que integra las culturas indígenas en el contexto de una religiosidad violenta; su obra épica la realizó con suficiente ironía, amargura y agresividad como para encarnar una imagen verdadera y convincente del mundo moderno, con su despiadada lucha de clases, teniendo como tema obsesionante el del hombre explotado, engañado y envilecido por el hombre. Sólo David Alfaro Siqueiros se interesó por acercar a la pintura moderna los valores plásticos de los objetos prehispánicos.

El muralismo se desarrolló e integró fundamentalmente en los edificios públicos y en la arquitectura virreinal. Los muralistas se convirtieron en cronistas de la historia mexicana y del sentimiento nacionalista, desde la antigüedad hasta el momento actual. La figura humana y el color se convierten en los verdaderos protagonistas de la pintura. En cuanto a la técnica, redescubrieron el empleo del fresco y de la encáustica, y utilizaron nuevos materiales y procedimientos que aseguraban larga vida a las obras realizadas en el exterior.

El introductor de nuevas técnicas y materiales fue Siqueiros, que empleó como pigmento pintura de automóviles (piroxilina) y cemento coloreado con pistola de aire; Rivera, Orozco y Juan O’Gorman emplearon también mosaicos en losas precoladas, mientras que Pablo O’Higgins utilizó losetas quemadas a temperaturas muy altas. Las investigaciones técnicas llevaron también al empleo de bastidores de acero revestidos de alambre y metal desplegado, capaces de sostener varias capas de cemento, cal y arena o polvo de mármol, de unos tres centímetros de espesor.

Desde 1922 hasta nuestros días no se han dejado de hacer murales en México, lo que prueba el éxito y la fuerza del movimiento. En la década de 1930, la internacionalización del muralismo se extendió a Argentina, Perú y Brasil, y fue adoptado incluso por Estados

Unidos en algunos de sus edificios públicos.

Comentario: El muralismo fue un movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución Mexicana de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la pintura tradicional de caballete, así como cualquier otra obra procedente de los círculos intelectuales. Proponia la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia.

Grabado y José Guadalupe Posadas

José Guadalupe Posada (1852-1913) nació en la capital del estado de Aguascalientes en México central. Comenzó a trabajar como maestro de litografía en la ciudad de Aguascalientes hasta los 37 años de edad. Posteriormente se cambió a la capital mexicana donde trabajó como ilustrador de periódicos.

Influencia
No cabe duda de que la obra de Posada influyó en artistas posteriores como José Clemente Orozco, Diego Rivera, Francisco Díaz de León y Leopoldo Méndez, entre otros.
Sus obras las conservan, entre otras instituciones, el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Museo José Guadalupe Posada en Aguascalientes, además de colecciones particulares.
Posada tenía una producción muy amplia de dibujos, carteles y grabados que se distribuían en todas las regiones de la república, sumando cuando menos 5 millones de ejemplares.

Comentario: Posada, intérprete del dolor, la alegría y la aspiración angustiosa del pueblo de México, hizo más de quince mil grabados.